Niall Horan lanzará Dinner Party, su cuarto álbum de estudio en solitario, el 5 de junio a través de Capitol Records. Hoy ha compartido la íntima canción que da título al álbum, una conmovedora historia sobre cómo un encuentro fortuito en una cena da lugar a una conexión única en la vida. Con una creciente sensación de euforia, canta: “Cuchillos, tenedores / Y cosas que nunca había sentido antes / Luces deslumbrantes / Cuando me viste por primera vez / Sí, te conocí en una cena / Lámparas de araña, café a las 2 de la madrugada / Sí, te conocí en una cena.” Horan compuso la canción junto a John Ryan, Jamie Scott, Afterhrs y Julian Bunetta.

“Dinner Party es un agradecimiento al pasado y un saludo al presente, que abarca tanto los grandes acontecimientos de la vida como los pequeños momentos intermedios, a veces caóticos, que en realidad los conforman,” explicaNiall Horan. “Gran parte del álbum explora ese tira y afloja entre enamorarse y sentir pánico a perder a esa persona, y cómo ese riesgo es, en realidad, lo mejor de todo. Hay amor, intimidad, miedo, pérdida, esperanza, sueños… todo ello entrelazado a lo largo del álbum.”

Hay algo en compartir una mesa que se siente como compartir un futuro, y Dinner Party sumerge al oyente en esa experiencia con calidez, ingenio y sinceridad. El álbum es cinematográfico y orgánico, con canciones que suenan como recuerdos que se crean con delicadeza. Julian Bunetta y John Ryan, colaboradores de Horan desde hace mucho tiempo, ejercieron de productores ejecutivos. Entre sus otros socios creativos y coautores se encuentran Afterhrs, Amy Allen, Ian Franzino, Andrew Haas, Steph Jones, Rocky Block y Joel Little.

Horan, que recientemente colaboró con Myles Smith en “Drive Safe,” aparece en la portada de GQ HYPE, que describe Dinner Party como “una colección de canciones sinceras en tonos sepia que, según Horan, comenzó a escribir en 2024 tras cumplir los 30, cuando pudo tomarse las cosas con más calma, reflexionar sobre el pasado, saborear el presente e imaginar su futuro.”

Cuando el amor se disuelve, sólo quedan dos caminos: celebrar lo vivido junto a esa persona especial (aunque ya no esté a nuestro lado), o mantenerse en el hilo de un diálogo invisible, anclado a una conversación pendiente entre los fantasmas del pasado y las incertidumbres del presente.

Jero y yo, uno de los compositores jóvenes más emocionantes de la actualidad, sigue construyendo el camino hacia su álbum debut, en el cual retrata perfectamente esta dualidad del desamor: mientras en su anterior sencillo, “Fuimos Nuestros”, retrata el lado luminoso de toda ruptura, en “Las Calles Dicen” se construye una narrativa de despedida un poco más oscura y enredada.

En “Las Calles Dicen”, el protagonista de la canción es un hombre que sabe que su ciclo amoroso ha terminado y que lo mejor es soltar para decir adiós. Sin embargo, su corazón se mueve aún en la posibilidad de entablar una última charla, en un intento desesperado por comprender qué fue lo que pasó…a pesar de que todo el mundo (en este caso, las calles) le diga que sólo basta con despedirse y avanzar.

La intensidad emocional de “Las Calles Dicen” está contrastada con la parte musical, pues Jero nos entrega una de sus piezas más delicadas y suaves a la fecha, una suerte de balada indie pop, donde cada elemento construye un escenario sonoro ideal para dar rienda suelta tanto a la intensidad amorosa como a la vulnerabilidad de saberse derrotado en un mar de incógnitas.

Como complemento, “Las Calles Dicen” nos presenta un nuevo video dirigido por Catalina Arroyave, directora colombiana que se ha encargado de todos los materiales audiovisuales del proyecto. En esta ocasión, Catalina rescata a la protagonista femenina del sencillo previo (el ya mencionado “Fuimos Nuestros”), quien interpreta la letra de la canción en un escenario minimalista, cuyo juego de luces nos muestra tanto la opacidad de la mente frente a las emociones, como los espacios de luminosidad encendidos por la razón.

Así, Jero y yo sigue expandiendo su universo, en una clara invitación a explorar todos los matices del amor a través de historias ficcionadas, pero que gracias a la sensibilidad de este joven y prometedor artista, se sienten tan reales como cualquier anécdota.

Llega una bocanada de aire fresco para el género urbano y la música tradicional mexicana: su nombre, Justin Morales, artista quien marca un antes y después en su carrera con el lanzamiento del sencillo “Impala”, colaboración con el artista Millonario, así como su primer sencillo como parte de Universal Music México.

Con “Impala”, Justin amplía su universo sonoro al sumar elementos del rap, sin perder la esencia que lo llevó a volverse una de las voces más importantes en la escena emergente de los corridos tumbados, dada su experimentación y sensibilidad.

Además de dichas habilidades, la aparición especial de Millonario, suma fuerza y autenticidad de calle a este track, creando un puente entre géneros, con tal de consolidar una propuesta de vanguardia para la música urbana y popular de México.

Para reforzar la narrativa de este sencillo, el lanzamiento de “Impala” viene acompañado por un video oficial dirigido por el prestigioso dueto The Broducers, concebido como una pieza de cine que gira en torno a una misteriosa piedra capaz de otorgar poder a su dueño. Así, los simbolismos visuales, exploran temas como la obsesión y la ambición, mismos que se tratan en los versos de la composición.

Con todo, Justin Morales no sólo reafirma su posición como uno de los compositores con mayor proyección en la nueva ola de la música mexicana, sino que abre una puerta hacia nuevas posibilidades sonoras y narrativas para nuestras tradiciones y cultura.

Hoy termina una espera de más de dos décadas para la música chilena. Los Tres —Álvaro Henríquez, Ángel Parra, Roberto “Titae” Lindl y Francisco “Pancho” Molina— presentan ‘XCLNT’, su nuevo álbum de estudio y el primero que reúne a la formación original desde finales de los años 90.

Tras el éxito histórico de la gira “La Revuelta”, que congregó a miles de fans en Chile y México, la banda cumple la promesa de volver al estudio. El resultado es un trabajo grabado en Abbey Road (Londres) durante 2025, donde el grupo logró capturar un sonido “al hueso” y de una factura técnica impecable que reafirma por qué son la columna vertebral del rock nacional.

Más allá del hito del reencuentro, ‘XCLNT’ se sostiene por su propia esencia, el trabajo de artesanía sonora que significó su elaboración y una calidad interpretativa que sólo décadas de oficio pueden otorgar. Una demostración de oficio de cuatro músicos en su plenitud técnica y creativa.

La energía cruda pero sofisticada, que ha definido a la banda desde siempre, está presente en diferentes aspectos, desde la complejidad rítmica hasta las texturas de las guitarras, que en el conjunto final fluyen naturalmente. El disco respira un aire de alta fidelidad que hace justicia a su legado.

En cada tema se percibe un cuidado trabajo, donde ningún detalle sobra y cada arreglo tiene una razón de ser, lo que se resume en una fina mezcla de influencias, desde potentes cortes de rock and roll hasta cueca. El puente sonoro es natural entre su historia y el presente. Es así como ‘XCLNT’ reafirma la esencia de la formación original sin más que los cuatro músicos en acción.

En cuanto a producción, el equilibrio instrumental pasa por la interacción de los elementos, donde la guitarra de Ángel Parra y la batería de Pancho Molina recuperan ese diálogo característico que definió el sonido del rock chileno de los 90. A este engranaje se suma el trabajo impecable de Titae Lindl en el bajo, aportando la solidez y el pulso elegante necesarios para sostener la intensidad del álbum. Su interpretación, siempre precisa y llena de oficio, es clave para amalgamar el sonido de la banda, permitiendo que el disco transite con fluidez entre la potencia del rock y la sutileza de otros géneros.

Acompañando el estreno del álbum, hoy también se libera el videoclip de «Como llegaste te vas», segundo sencillo de este nuevo disco. Una muestra de ese anclaje en las raíces la música popular nacional y latinoamericana, sumado a la sensibilidad melódica característica del combo penquista y su enfoque único que los hizo grandes en todo el continente.

Los hermanos de neoyorkinos, Michael y Brian D’Addario, mejor conocidos como The Lemon Twigs, están de vuelta con “2 or 3”, un brillante y contagioso adelanto de su próximo álbum Look For Your Mind!, que verá la luz el 8 de mayo a través de Captured Tracks. Con una vibra eufórica y un groove irresistible, “2 or 3” es la canción que sin dudas marcará el por venir del rock por los próximos años.

Sobre esta pieza enérgica y plenamente optimista, Brian comenta:

“La tocamos por primera vez en Buenos Aires el año pasado y a la mañana siguiente del show desperté justo después de haber soñado el coro. Es algo raro para mí, y aún más raro que recuerde las palabras. Tuve que interpretar qué significaba ‘she’s lived 2 or 3 as many lives as me’. Me hizo pensar en un chico que no es lo suficientemente interesante para su pareja y que tiene que fingir interés en el arte y la historia.”

Previamente, los hermanos D’Addario se encargaban de todo el trabajo en estudio, por lo que esta colaboración refleja un nuevo sentido de libertad creativa.Sus discos anteriores Everything Harmony (2023) y A Dream Is All We Know (2024) marcaron el inicio de una nueva era. “Fue cuando empezamos a hacer discos que realmente queríamos escuchar nosotros mismos”, dice Michael D’Addario.

Con temas como “My Golden Years”, la banda consolidó su identidad y ahora, con Look For Your Mind!, The Lemon Twigs representa el siguiente paso lógico en su carrera, pero también va más allá. Con las habilidades que han desarrollado en sus discos anteriores, sus múltiples producciones externas y la experiencia acumulada en gira, han logrado imprimir una energía vital pero disciplinada. En el centro del álbum, como siempre en el caso de The Lemon Twigs, está la composición sólida de canciones.

«Of All People», es el nuevo sencillo de Foo Fighters, el grupo lo estrenó en la grabación del programa de televisión irlandés Other Voices en febrero; el episodio finalmente se emitió esta semana, lo que significa que por fin tenemos un video profesional de la actuación.

«Of All People» es el último sencillo del próximo álbum de Foo Fighters, Your Favorite Toy, del cual también se desprenden temas como «Asking For A Friend», la canción que da título al disco y «Caught In The Echo». Este es uno de esos temas de rock enérgicos donde Dave Grohl se inspira en su viejo amigo Kurt.

Lady Gaga y Doechii se han unido para «Runway», una nueva canción original que aparecerá en la próxima película El diablo viste de Prada 2, esta colaboración cuenta con aún más estrellas en los créditos, ya que Bruno Mars y Andrew Watt coescribieron y coprodujeron el tema.

Esta colaboración, que marca el inicio de una colaboración grabada entre Gaga y Doechii tras el mutuo reconocimiento mutuo entre ambas, se convirtió en su primer apoyo. El año pasado, Doechii la llamó «un salvavidas» al entregarle el premio a la Innovadora en los iHeartRadio Music Awards. Por su parte, Gaga elogió a Doechii en una entrevista con la revista British Vogue, afirmando: «No es frecuente ver a alguien que irrumpa con una pluma que se convierta inmediatamente en leyenda».

El diablo viste de Prada 2 se estrena en cines el 1 de mayo. En otros temas Lady Gaga está ultimando los últimos conciertos de su gira «Mayhem Ball».

El año pasado, Alabama Shakes regresó con “Another Life”, su primer tema original en 10 años, ahora, le sigue una canción de protesta titulada “American Dream”, la letra de Brittany Howard ace referencia a la violencia armada, el derecho al aborto, el cambio climático, la brecha salarial y las renovaciones de la Casa Blanca del presidente Donald J. Trump.

Howard describió en un comunicado de prensa a “American Dream” como “una instantánea de lo que estamos viviendo en 2026”. Continuó: “Miro a mi alrededor y me pregunto cómo llegamos a un punto con tanta presión y tan poco apoyo. Es decir, no debería ser imposible faltar al trabajo para llevar a tu hijo al médico; eso es una locura. Espero que algún día la gente escuche esta canción y diga: ‘Sí, la cosa estaba muy difícil entonces, pero lo superamos’”.

El último álbum de Alabama Shakes fue Sound & Color , de 2015, la próxima semana, el trío formado por Howard, Heath Fogg y Zac Cockrell inicia una gira por Norteamérica que se extenderá hasta mediados de junio.

Hoy, el dúo australiano en ascenso Royel Otis lanza su primer sencillo nuevo tras su aclamado álbum de 2025, hickey. La canción ha tenido su estreno exclusivo esta mañana como tema del programa “Hottest Record in The World” de BBC Radio 1. Ya está disponible a través de OURNESS / Capitol Records. “Sweet Hallelujah” se basa en el característico estilo relajado de la banda, pero suena como nada que hayan hecho antes: indie- rock con acompañamiento orquestal, tan íntimo como épico.

Esta canción trascendental marca de forma muy acertada el debut de Royel Otis en el Festival de Música y Arte de Coachella —actuarán en el escenario Mojave el sábado 11 y el 18 de abril—, tras su gira de marzo por las ediciones de Lollapalooza en Argentina, Chile y Brasil, así como shows en Monterrey y Ciudad de México. A continuación, se dirigirán a Europa y el Reino Unido para una combinación de conciertos como cabezas de cartel, paradas en festivales y fechas en estadios como teloneros de Foo Fighters.

“Sweet Hallelujah” pide a gritos ser vivida en directo. Al comenzar la canción, Otis Pavlovic toca un ritmo de tabla trepidante y Royel Maddell rasguea con fuerza su guitarra sobre un fondo creciente de cuerdas, teclados y batería. El sonido sigue creciendo, mezclando la facilidad para cantarla a coro de una jam session alrededor de una hoguera con la grandiosidad de una producción de music hall, mientras Otis canta sobre una fuerza abrumadora: “Solo los tontos dicen que el amor es ciego, ¿has visto su rostro? / Es tan guapa que me deja alucinado todo el tiempo y me sacude el cerebro”. Es una pieza emblemática, donde la belleza y su naturaleza efímera chocan.

“Es una carta de amor de despedida a alguien a quien quieres que sepa que, pase lo que pase, tus sentimientos hacia esa persona no cambiarán”, dice Royel Otis sobre su nuevo sencillo, producido por Shawn Everett (Julian Casablancas, The War on Drugs).

Royel Otis avanza a toda velocidad tras entrar en 2026 en la lista “Artists to Watch” de Vevo DSCVR —no te pierdas las actuaciones en estudio de los temas favoritos de los fans, “shut up” y “come on home»— y también tras conseguir el puesto n.º 5 en la prestigiosa lista Sound of 2026 de BBC Radio 1, cuyo jurado incluye al conocido fan de Royel Otis, Sir Elton John. La banda también concedió una entrevista a la BBC, pero han estado de gira sin descanso estos últimos meses, con paradas en Asia, Australia y Latinoamérica.