Django Django continúa su andadura hacia su sexto álbum de estudio, ‘Doveland’, con el lanzamiento de ‘Dirty Hotel Blues’, un nuevo y evocador sencillo inspirado en los recuerdos de sus viajes por Estados Unidos.

Tras el reciente tema «Cameos», la canción comenzó con una parte de piano compuesta por John Maclean, hermano de Dave Maclean y miembro de The Beta Band, durante el confinamiento. Después de años de desarrollo, improvisación y experimentación, finalmente adquirió su forma definitiva durante las sesiones de grabación del grupo en Alemania.

Inspirado en parte por las experiencias de Maclean durante su gira por Estados Unidos y un viaje por carretera que realizó en su adolescencia, ‘Dirty Hotel Blues’ aporta otra dimensión a ‘Doveland’, un disco de 12 temas producido con Nick McCarthy y Polly Ester.

A través de once canciones, Trucha deja atrás la introspección de su álbum anterior, A Ramiro:, para explorar el poder que tiene la música sobre el cuerpo y el movimiento. Aunque el disco gira en torno al amor, no busca retratar el romance tradicional. Musicalmente, el álbum reúne influencias del pop alternativo, el rock, el hip hop, el R&B y la electrónica, incorporando sonidos que remiten al pop de los años setenta, ochenta, noventa y principios de los dos mil desde una perspectiva contemporánea. En este álbum cada canción construye su propio universo emocional.

«Quería explorar el movimiento que produce la música en el cuerpo y a diferencia de mis otros cinco discos, creo que. También salió de varias reflexiones sobre experiencias en el amor, a primeras, parece un disco con canciones de amor y de desamor, pero ninguna llega a ese amor romántico, por eso le puse ese nombre» compartió Trucha en comunicado de prensa.

Escrito y producido por Ramiro Carrera desde su estudio en casa, Ilusiones de Amor fue concebido de una forma más pausada que sus trabajos anteriores, priorizando la experimentación y la intuición creativa. Durante ese proceso surgieron personajes, colores y emociones particulares para cada canción, elementos que terminaron definiendo la identidad del álbum y reforzando su carácter teatral.

El disco fue anticipado por cuatro adelantos: “Dossier”, “Federico”, “Ángel Caído” y “Alineación Antelada”, canciones que permitieron descubrir las distintas facetas del proyecto antes de su lanzamiento. Cómo focus track, Ilusiones de Amor presenta “Mystica!”

Jordan Rakei publica hoy «Promise», el segundo single de su próximo séptimo álbum, A Safe Place To Be Wild, que saldrá a la venta el 30 de octubre a través de Fontana. Este lanzamiento llega acompañado de la mayor gira de conciertos de Jordan hasta la fecha por Reino Unido y Europa, que culminará con su concierto más grande hasta el momento en el Alexandra Palace de Londres, el 24 de abril de 2027.

«Promise» llega cargado de dudas, pero a la vez elevado por su sonido. La canción reflexiona sobre las inseguridades dentro de una relación, mientras ofrece una experiencia de escucha rica en matices y melodiosa. Los suaves teclados se entrelazan con golpes de batería nítidos, creando la base sonora sobre la que la serena voz de Jordan cuenta la historia.

Al hablar del single, Jordan comenta: “»Promise» explora la inseguridad y las dudas que pueden existir dentro de una relación. Pero también habla de hacer una promesa y aferrarse a la esperanza de que las cosas puedan seguir funcionando entre dos personas. Algunas partes fueron escritas hace más de una década junto a la increíble Rosie Lowe, y la canción permaneció conmigo a lo largo de los años hasta que finalmente encontró su lugar y cobró vida en el disco.”

A Safe Place To Be Wild, el séptimo álbum de Jordan Rakei, llega después de más de una década en la que ha ido redefiniendo silenciosamente los límites del soul, el jazz y el R&B alternativo. Su trabajo más instintivo y valiente hasta la fecha, es un álbum íntimo, surrealista y emocionalmente directo sobre la autoaceptación, la vulnerabilidad y la libertad creativa. Dejándolo todo reducido a la emoción más pura, Rakei se libera de las expectativas y se adentra en un espacio más desinhibido, abrazando las partes más extrañas y libres de sí mismo con un sentido de juego, honestidad e instinto.

En el corazón de A Safe Place To Be Wild se encuentra un estudio del yo que permanece oculto: un artista que se enfrenta al miedo a exponerse, lo disuelve en tiempo real y descubre el poder silencioso de convertirse en una persona plenamente completa, sin disculpas. El álbum fue grabado en los legendarios Abbey Road Studios, durante el periodo de Jordan como primer artista residente. Toda la importancia de esas salas sagradas se percibe en la profundidad del álbum. Disponible en múltiples formatos, incluyendo un digipack en CD, un vinilo rojo exclusivo para tiendas independientes, una edición en vinilo opaco firmada y un vinilo negro estándar.

Paulo Londra se anima a nuevos sonidos y lanza “me asfixia LA CIUDAD”, primer adelanto de su próximo álbum, ya disponible en todas las plataformas. La canción refleja esta nueva faceta, resultado del trabajo junto a Lisan y Tiano, los productores que acompañan esta búsqueda sonora dentro de su carrera.

Con un tono más íntimo, el tema habla de las ganas de bajar un cambio y dejar atrás el ritmo de la ciudad, donde el amor aparece como refugio en medio del caos. La certeza de encontrar en otra persona un lugar de calma, la complicidad y las ganas de empezar de nuevo se convierten en el hilo conductor de una canción que combina una sensación personal con la que el público puede identificarse fácilmente, melodías pegadizas y una sonoridad renovada, rasgos que atraviesan este nuevo momento creativo del artista.

El lanzamiento llega en medio de un año clave para Paulo: tras completar su primera gira por Estados Unidos con múltiples SOLD OUT—con shows en Nueva York, Chicago, Miami y Los Ángeles—, el cordobés continúa su recorrido por Latinoamérica con sus recientes shows en Bogotá (8 de agosto) y Puebla (11 de agosto) y fechas confirmadas en Mérida (13 de agosto), Monterrey (15 de agosto), Santiago de Chile (20 de agosto) y su debut en el Estadio Nacional de Perú, en Lima (29 de agosto).

El inicio de la seguidilla de shows 2026 llega en un año destacado para el músico: cuatro nominaciones a los Premios Gardel 2026, presentaciones en el Festival Viña del Mar 2026 (donde fue ovacionado por el público que lo coronó con Gaviota de Oro y Plata) y el Lollapalooza Argentina (como único headliner del país).

Sofía Campos lanza “Vamos al Mar” junto a Caloncho, el tercer y último adelanto de su próximo álbum de estudio. La colaboración nació del vínculo artístico que ambos construyeron en México durante la gira del músico en 2024, cuando Sofía abrió su concierto en el Auditorio Nacional y lo acompañó en diez ciudades del país.

«Vamos al Mar» es una canción luminosa y fresca que refleja el universo musical de Sofía: en esta ocasión, juega con el ritmo de samba y elementos del pop, dando lugar a un sonido cálido y personal. La letra invita a dejarse llevar y confiar en la intuición, y abre la puerta a Minha Beleza, su cuarto álbum de estudio, que verá la luz el próximo 24 de septiembre bajo el sello colombiano In-Correcto. Nominada al Latin Grammy como Mejor Nuevo Artista en 2022, Sofía Campos llega a este lanzamiento luego de llevar su música por escenarios de Argentina, Sofía Campos lanza “Vamos al Mar”, el tercer y último adelanto de su próximo álbum de estudio junto a Caloncho. La colaboración nació del vínculo artístico que ambos construyeron en México durante la gira del músico en 2024, cuando Sofía abrió su concierto en el Auditorio Nacional y lo acompañó en diez ciudades del país. Brasil, México, España y Estados Unidos, presentarse en festivales como SXSW (Austin) y LAMC (Nueva York), y colaborar con Natalia Lafourcade. Con raíces argentinas, infancia en Brasil y un fuerte desarrollo artístico en México, ha construido una identidad propia dentro de la nueva canción latinoamericana.

En el marco de su nuevo lanzamiento, Sofía estará tocando en Ciudad de México en Bar Liebre el 3 de Septiembre (Reserva tus boletos aquí) y el 10 de septiembre en el Bogotá Music Market en Kindergarden.

Hay discos que se escuchan; otros se cruzan como un río. RÜPÜ, el álbum debut de THEKOIWAY, entra en esa segunda categoría: una obra que avanza entre percusiones, guitarras, voces, sintetizadores y memorias que parecen venir de lejos, pero golpean con urgencia en el presente, entre lo humano y lo divino.

Disponible desde el 29 de julio de 2026 en todas las plataformas digitales, RÜPÜ dará inicio a una serie de conciertos de lanzamiento en Nueva York, cuyas fechas serán anunciadas próximamente e incluirán una presentación en el Perelman Performing Arts Center. (PAC NYC)

RÜPÜ, palabra en mapudungun que significa “camino”, nombra el inicio del viaje y el primer movimiento del universo conceptual de THEKOIWAY. Es el cauce inicial: la intuición que empuja, el primer paso antes del encuentro. El disco inaugura TINKUY, trilogía integrada por RÜPÜ / MINGA / WENÜI, concebida como una migración simbólica desde el origen hacia la comunidad y la transformación. En la cosmovisión andina, TINKUY alude al encuentro significativo de fuerzas: ríos que se cruzan, cuerpos que se reúnen, mundos que al tocarse producen algo nuevo. Desde ahí, RÜPÜ abre el camino, MINGA convoca lo colectivo y WENÜI eleva la experiencia hacia la transformación. La carpa Koi, símbolo de perseverancia y metamorfosis, atraviesa la obra como una corriente emocional que avanza, recuerda y cambia de forma.

Fundado en Nueva York en 2019 por Víctor Vildósola, THEKOIWAY cruza tradiciones andinas y latinoamericanas con funk, hip hop, soul, rock y electrónica. En su sonido conviven quenas, zampoñas, charango y percusiones latinoamericanas con sintetizadores, programación digital y bajos de influencia neo-soul. El resultado es una música de raíz, identidad latina y espíritu urbano.

Con presentaciones en Nueva York y Chile, participación en Make Music New York y trabajos audiovisuales seleccionados en festivales internacionales, THEKOIWAY abre con RÜPÜ un nuevo ciclo creativo: música para caminar, recordar, reunirse y transformarse.

La cantautora y multiinstrumentista sueca Nina Winder-Lind, afincada en Brighton y conocida por ser miembro de la electrizante banda de rock The New Eves, lanza su álbum debut en solitario, Wild Love, a través de Transgressive junto con el tema principal “Foremothers”.

Rebosante de sentimiento, instinto y una musicalidad expansiva, Wild Love muestra a Winder-Lind en su faceta más abierta y plena, estableciendo una voz solista distintiva a la vez que construye sobre los cimientos creativos que la han convertido en una de las artistas emergentes más fascinantes del Reino Unido.

Producido por su colaborador habitual Jack Ogborne (Bingo Fury, The Cindys), Wild Love se grabó en dos estudios de Bristol: uno bajo el emblemático local Louisiana y otro dentro de una iglesia reconvertida. Winder-Lind está acompañada en todo momento por su banda en directo, que incluye a su compañera de New Eves, Ella Oona Russell, junto con Finlay Burrows, Edward Deeney y Toma Sapir, con contribuciones adicionales de Francesca Brierley (heka, Dorothy).

Originalmente concebido como un EP antes de convertirse en un álbum completo con el apoyo de Transgressive, Wild Love reúne canciones escritas a lo largo de varios años en una declaración notablemente coherente. A lo largo de sus once temas, Winder-Lin d explora el amor en todas sus formas: romántico, platónico, familiar y espiritual, al tiempo que celebra la honestidad emocional, el instinto y la libertad de vivir sin complejos.

El lanzamiento de Wild Love llega tras una serie de aclamados sencillos recientes, como “Headfirst” , “This Is Our Life” y “Girls” . El tema central del álbum es la emotiva canción “Foremothers” , una sentida oda a su abuela y a las generaciones de mujeres de su familia, que sirve como otra muestra de la inconfundible voz ahumada de Nina. Comienza con un arreglo acústico, ecléctico y vulnerable, para luego ir cobrando fuerza y culminar en un crescendo grandioso.

A solo unas semanas de su presentación en el Fuji Rock Festival en Niigata, Japón, Son Rompe Pera recuperó velozmente este gran momento de su gira internacional y lanza esa experiencia en el nuevo video de Nada Que Hacer el sencillo más reciente de su próximo álbum: Marimbazos de Oro, que sale el 18 de septiembre a través de Mixto Records y se presenta en vivo el 19 de Septiembre en el Teatro Metropolitan.

Este video esta dirigido por el cineasta mexico-americano Ramiro Medina Flores, quien viene de ganar Mejor Película en el Festival Cine al Margen de la Ciudad de México por su documental de Lucha Libre, Quiero Ver Sangre. Ramiro observó desde su cámara y su estilo crudo y documental , la travesía de Son Rompe Pera por Japón, siguiendo a la banda tanto en el escenario como fuera de él.

Para una banda que alguna vez escondía sus marimbas mientras estaban inmersos en la escena punk underground de la Ciudad de México, tocar en uno de los festivales de música más importantes de Japón marca otro capítulo clave en su historia.

Mongo (compositor y uno de los musicos de la marimba) comenta: «Tocar en Fuji Rock fue surreal. Crecimos escuchando discos de punk en la Ciudad de México y nunca imaginamos que un día estaríamos tocando marimba para miles de personas en Japón. Ver a esas multitudes bailar al ritmo de la música que viene de nuestra familia y nuestro barrio nos recordó porque empezamos esta banda.»

El video musical de Nada Que Hacer ya está disponible en su canal de youtube, ofreciendo una mirada íntima de una banda que continúa redefiniendo las posibilidades globales de la música alternativa mexicana.
Son Rompe Pera presentará Marimbazos de Oro su tercer álbum de estudio el 19 de septiembre en el Teatro Metropolitan.