Con ‘Si mañana me muero me voy contento’, 008RACCA entrega un retrato profundamente sincero sobre crecer antes de tiempo. Lejos del exceso plástico de la industria, este EP es un refugio lírico sostenido entre la agudeza del rap y una inmensa gratitud familiar. La obra es un viaje a la raíz: su portada lo muestra de tres años junto a su padre, y sus tracks tejen audios reales de su infancia. RACCA abraza la vulnerabilidad de la juventud mexicana, transformando la ansiedad en paz. Su mensaje es claro: la verdadera fuerza radica en jamás soltar la sencillez que lo formó, honrando a su familia, sus primeros amores, a sus amigos y a las calles de San Luis Potosí frente al peso de la fama.

Desde San Luis Potosí, RACCA construyó orgánicamente un imperio musical con +50M de streams y 1.2M de oyentes mensuales, todo grabando desde su habitación. Este EP es la cumbre conceptual tras el éxito de los sencillos previos ‘Zapatos’ y ‘MOV00445’, cuyas portadas ya anticipaban el guiño autobiográfico mostrando fotografías de él cuando era niño. Hoy, el potosino cierra de forma magistral su etapa como menor de edad para consolidarse definitivamente como el máximo referente joven del hip-hop alternativo en el país.

“Este proyecto no es una despedida, es la tranquilidad de saber que he vivido con el corazón. ‘Para Emilio’ es un abrazo para mí, para esos momentos donde sienta que todo se cae encima. Es mi forma de agradecer a mis papás por sostenerme y dar un paso firme antes de cumplir los 18 sabiendo que, pase lo que pase, me voy contento.”

La cantautora británico-brasileña Liana Flores lanza su nuevo EP, ‘And so it goes…’ ya disponible a través de Verve Records. Escucha el EP aquí y compra aquí copias en vinilo ecológicas, ejemplares exclusivos autografiados y el casete en color verde vidrio de mar.

Acompañando a Liana en su entrada a una nueva etapa de la vida, ‘And so it goes…’ se caracteriza por los altibajos de las giras, las relaciones y el paso del tiempo. Este EP marca una ampliación de la paleta artística de Liana, abarcando las experiencias divertidas y entusiastas de su mudanza desde su pueblo natal en Norfolk hasta St. Andrews, antes de llegar a Londres. El resultado es una colección de seis canciones que alterna entre la guitarra tocada con los dedos, voces de bossa nova etéreas y funk alegre, una mezcla ecléctica de sonidos que recurre a una inspiración musical que abarca generaciones y géneros.

“Este disco cuenta la historia de una chica del campo que se muda a la ciudad”, dice Liana Flores. “Es una mezcla de bossa nova y pop, inspirada en la gente, las relaciones y el glamour de la vida urbana”.

Y así sigue… bailando al borde del arte de Liana, con influencias que van desde Laurel Canyon hasta Londres. Están las texturas más oscuras de “Gemini”, donde Flores muestra su registro vocal más grave. Mientras que el cambio de la bossa al funk en “So mysterious” surgió del deseo de crear un tema alegre para su repertorio en vivo, “Here to stay” suena como “Carole King bajo sedantes”, dice riendo, y “The way I say goodbye” muestra a Flores en su momento más sincero, reflexionando sobre la pérdida, la decepción y el dejar ir los sueños que alguna vez tuvo.

“Estas canciones se inspiraron en mis experiencias viviendo en la ciudad y saliendo de gira por primera vez. Crecí y estudié en pueblos pequeños rodeados de naturaleza, así que eso fue lo que me salió de manera natural en cuanto a las letras. También quise ponerme a prueba escribiendo canciones con melodías pegadizas que fueran divertidas de cantar o con las que diera gusto prepararse”.

Grabado en Los Ángeles con Paul Butler (The Bees, Michael Kiwanuka, The Teskey Brothers), ‘And so it goes…’ es el siguiente paso en la carrera de Flores, que revitaliza un sonido del siglo XX para adaptarlo a las complejidades de la era moderna. Al combinar elementos de la bossa nova y el pop brasileño con un toque indie y folk, la música de Liana explora la transformación en todas sus formas y pone de relieve un talento verdaderamente singular.

El cantante, compositor y artista bilingüe en ascenso LATENIGHTJIGGY presenta el video musical de su más reciente sencillo, “un dembow… lol”. La canción forma parte de su nuevo EP, Flavors 4, la cuarta entrega de su emocionante saga Flavors. La serie funciona como un crisol de sonidos, idiomas y culturas, marcado por su amor por el R&B, el rap y la música latina y caribeña, y celebra la creciente unión global de comunidades que trascienden las fronteras. Dirigido por THNXXED, el video utiliza el contraste entre la luz y la oscuridad como un recurso para mostrar las distintas dimensiones que conforman el arte de LATENIGHTJIGGY. El audiovisual presenta un paisaje sonoro cautivador que va desde el R&B hasta un dembow cargado de bajos, fuertemente inspirado en los ritmos de República Dominicana.

El sonido sin límites de LATENIGHTJIGGY le ha ganado un importante reconocimiento dentro de la industria y el respaldo temprano de algunos de los nombres más importantes de la escena urbana latina, entre ellos Eladio Carrión, Mora y Lyanno. Estos dos últimos colaboraron con LATENIGHTJIGGY en el exitoso tema “Mimosas (Remix)”. Flavors 4 continúa con el éxito de sus proyectos anteriores, aclamados por la crítica, mientras que el tema destacado “un dembow… lol” se presenta como una contundente declaración del lugar que ocupa JIGGY como símbolo del rumbo que está tomando el futuro de la música y de su próximo papel como una fuerza impulsora de ese alcance global.

El artista trinitense-estadounidense, criado en Maryland y radicado en DMVi, ya se ha abierto un espacio único en la industria musical gracias a su característico sonido bilingüe Spanglish, acumulando más de 77.9 millones de reproducciones. Al crecer inmerso en una vibrante comunidad latina, aprendió español por su cuenta y comenzó a tocar instrumentos a los seis años. Esta crianza multicultural le permitió fusionar de manera orgánica elementos del Caribe trinitense, el R&B contemporáneo, el hip hop y los contundentes ritmos del reguetón. Su estilo innovador conecta directamente con una generación internacional de jóvenes que no están limitados por idiomas ni territorios, sino que encuentran su impulso en la unión de sus comunidades y en valores compartidos, como una celebración de la identidad colectiva.

The Who By Numbers, lanzado a principios de octubre de 1975, es el séptimo álbum de estudio de The Who y marcó un punto de inflexión para la banda, ya que sus canciones eran, en su mayoría, más introspectivas y personales que las publicadas anteriormente. El disco fue un éxito comercial: alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard de Estados Unidos y el número 7 en el Reino Unido, en parte gracias al éxito de “Squeeze Box” —uno de los temas más desenfadados del álbum—, que se convirtió en un éxito internacional al situarse.

Cincuenta años después, The Who By Numbers se reeditará este mes de octubre en una caja de edición superdeluxe (5 CD y 1 Blu-ray) que incluye un libro de tapa dura de 100 páginas con fotografías, objetos de colección y textos exclusivos de Pete Townshend y del experto en el grupo Andy Neill; 92 temas y mezclas inéditas; nuevas mezclas en Dolby Atmos, 5.1 y estéreo realizadas por Pete Townshend; 11 demos originales de Pete para el álbum; sesiones de grabación en los estudios Ramport y Shepperton; mezclas preliminares; voces guía; la versión más completa publicada hasta la fecha del concierto en el Vetch Field (Swansea, Gales) del 12 de junio de 1976; y, en Blu-ray, el audio y vídeo de un concierto inédito de The Who —grabado en cinta de vídeo de 2 pulgadas— en el Metropolitan Stadium de Pontiac, Michigan.

El concierto de The Who en Pontiac, Michigan, celebrado el 6 de diciembre de 1975, estableció en su momento el récord de mayor asistencia a un concierto de rock en un recinto cerrado, con 76.896 espectadores. La actuación completa ha sido recuperada de los archivos del grupo y restaurada profesionalmente, contando con audio remasterizado. Actualmente, constituye uno de los pocos registros visuales que se conservan de aquella memorable gira de The Who, la última que realizaron junto al incontenible Keith Moon.

Seis meses después, The Who actuó en tres estadios de fútbol británicos bajo el lema Who Put The Boot In. El primero de estos conciertos, celebrado en The Valley —el estadio del Charlton Athletic—, fue reconocido por el Libro Guinness de los Récords como el concierto de rock más ruidoso del mundo. El tercer concierto, realizado en el Vetch Field del Swansea FC, se grabó con vistas a un posible álbum en vivo y, con el paso de los años, canciones de dicho concierto han aparecido en lanzamientos oficiales del grupo. Ahora, las cintas de mezcla originales disponibles han sido remasterizadas y restauradas y se les ha devuelto a su orden original. Aquel fue el último concierto propiamente dicho de Keith Moon ante el público británico, y en él quedó plasmada la enorme potencia interpretativa que The Who alcanzó a lo largo de aquella gira de un año de duración.

Producido por Glyn Johns —quien ya había trabajado con el grupo en el álbum Who’s Next de 1971—, The Who By Numbers contiene algunas de las canciones más sombrías jamás grabadas por la banda, a pesar de su portada desenfadada (ilustrada por John Entwistle) y de incluir un sencillo que fue un éxito rotundo. Esta nueva edición superdeluxe arroja luz sobre la creación del álbum y el estado anímico de su compositor, Pete Townshend. Tal como él mismo explica en el libro de cien páginas sobre la gestación del disco que acompaña a la caja recopilatoria: “Percibía que se avecinaba una nueva ola —una reacción y una rebelión— en la industria musical; las grandes bandas se estaban volviendo descuidadas y autocomplacientes. Yo quería que mis canciones siguieran cumpliendo una función catártica para nuestro público. Cuando el punk irrumpió unos años más tarde, no me sorprendió en absoluto”.

¿Qué pasa cuando ser fuerte deja de protegerte y comienza a impedirte sentir? Desde esa contradicción nace “Herida”, el nuevo sencillo de cKovi, oscura, introspectiva y emocional, “Herida” retrata la búsqueda de una señal capaz de romper con los mismos errores y patrones que parecen repetirse una y otra vez. En ella, cKovi dirige la mirada hacia ese instinto de supervivencia que todavía vive dentro de sí y se pregunta cómo aprender a controlarlo sin perder la fuerza que la ha llevado hasta donde está.

En “Herida”, la fortaleza aparece como una dualidad: puede impulsarnos a avanzar, pero también endurecernos; puede enseñarnos a sobrevivir, pero no necesariamente a sentir, sanar o soltar.“La fuerza, aunque me ha llevado lejos, también ha sido mi mayor perdición. Me enseñó a avanzar, pero no siempre a sentir. Me enseñó a resistir, pero no necesariamente a soltar”, comparte cKovi sobre el significado detrás de la canción.

Esa contradicción atraviesa una letra en la que la artista se presenta constantemente herida, sola y fría, cargando con el peso de sostenerlo todo mientras busca una luz en medio del caos. La petición de que llegue un “ángel” funciona como una imagen de esperanza: una señal de que todavía existe una posibilidad de romper el ciclo.

Sin embargo, “Herida” no busca respuestas sencillas ni atribuye toda la responsabilidad del dolor a los demás. Conforme avanza la canción, aparece una revelación mucho más incómoda:reconocer que quizá una misma también ha participado en la construcción del caos del que intenta escapar.

“Hay un momento en la vida en el que una siente que todo a su alrededor está atado. Todo se vuelve frío. Todo duele. Las personas, los recuerdos, las decisiones, incluso una misma”, explica cKovi. “Y es en medio de los rezos, de las lágrimas y de los corazones rotos que nos rodean, cuando finalmente aparece una verdad mucho más difícil de mirar: que quizá una misma ha sido parte de la causa de todo ese caos”.

Con “Herida”, cKovi construye un universo donde la vulnerabilidad y la fuerza dejan de ser opuestas. La verdadera batalla no está solamente en resistir aquello que duele, sino en tener el valor de reconocer nuestros propios patrones, recuperar el corazón que aprendimos a proteger y encontrar una manera distinta de avanzar.

Hoy, una de las voces más emocionantes de la música latina, MARIPOSA, lanza su nuevo EP conjunto, MARILEAN, en colaboración con la artista brasileña-neerlandesa FFLean. Para celebrarlo, el electrizante dúo comparte el impactante video musical de su canción “Flow Emocional”. Combinando ritmos de Jersey club con hipnóticos beats de guaracha colombiana, la canción pone de manifiesto cómo las emociones de las mujeres siguen siendo utilizadas como un arma, mientras que a ellas, con demasiada frecuencia, se les desestima y etiqueta como “demasiado emocionales”. A través de un humor mordaz y letras contagiosas, MARIPOSA y FFLean transforman esta vulnerabilidad en una fuente de fuerza innegable. Producido por sus colaboradores de larga trayectoria Baby Evil y EightyThrilla, y dirigido por MARIPOSA y Nayim Mracha, el video da vida al cautivador universo que se encuentra en el centro de la explosiva propuesta de MARILEAN, con ambas artistas canalizando su poder individual y colectivo, simbolizado por la fuerza y velocidad de los caballos y los autos veloces.

MARILEAN aborda una variedad de temas fundamentales para el arte de ambas artistas, como la celebración del empoderamiento femenino y la creación de una comunidad creativa que encuentra inspiración en la resiliencia y la admiración mutua. A nivel sonoro, el proyecto muestra la belleza de la cultura latina y sus sonidos dinámicos, que constituyen su base, dando como resultado una celebración de las raíces compartidas de las artistas como integrantes de la diáspora latina. MARIPOSA y FFLean se conocieron inicialmente en la vibrante escena underground de clubes de Ámsterdam, y este proyecto es el poderoso resultado de ese vínculo artístico. Tras descubrir una profunda sinergia creativa basada en sus experiencias compartidas, el dúo se unió en torno a una misión colectiva: visibilizar la persistente falta de representación latina en el panorama local de la música electrónica. El proyecto ya ha recibido elogios de KCRW, HOLA!, VIX Música, REMEZCLA, MTV Latinoamérica & Sur, NOCTIS y más.

Este proyecto llega después del más reciente EP de MARIPOSA Cozy Tapes, publicado el año pasado, el cual profundizó en la autoexploración, examinando la feminidad, la vulnerabilidad y el amor como formas de fortaleza. El proyecto recibió elogios de medios como Rolling Stone En Español, MTV, Remezcla, Mitú, VANIDAD, COLORS, MOR. BO, El Heraldo de México entre otros.

Algunos artistas persiguen la relevancia. Chaka Khan la crea. La artista ganadora de 11 premios Grammy y miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll y galardonada con el Premio Grammy a toda una vida en 2026, anuncia CHAKZILLA, un nuevo y audaz capítulo en su legendaria carrera, que saldrá a la venta el 18 de septiembre a través de EarthSong Records y BMG.

CHAKZILLA, una celebración del poder, la alegría, el amor, la resiliencia y la reinvención, muestra a Chaka Khan en la cúspide de su libertad creativa. Coescrito por Chaka junto a Sia y Greg Kurstin, y producido por el productor ganador de un premio Grammy Greg Kurstin, el álbum cuenta con colaboraciones especiales de Sia, Snoop Dogg y Lenny Kravitz. CHAKZILLA, que supone tanto un regreso triunfal como una intrépida declaración artística, reafirma el lugar de Chaka Khan como una de las voces más influyentes y perdurables de la música moderna.

El nuevo sencillo, «Boogie’s In My Soul», con la colaboración de Snoop Dogg, es un himno coescrito por Sia que captura la alegría, la libertad y la energía contagiosa que constituyen la esencia y el alma del ambiente veraniego.

«No hay nada que puedas hacer para borrar esto jamás», afirma Snoop. «Está en tu cuerpo; ahora deja que penetre en tu alma».

El anuncio llega tras el éxito arrollador del tema que da título al álbum, Chakzilla, que ya ha superado el millón de visualizaciones en YouTube y ha despertado el entusiasmo de los fans de todo el mundo en las redes sociales.

«Este álbum trata sobre la alegría. Trata sobre la libertad. Trata sobre quererse a uno mismo, quererse los unos a los otros y encontrar tu fuerza, independientemente de en qué momento de la vida te encuentres», afirma Chaka Khan. «He vivido muchas cosas desde mi último disco y quería que estas canciones lo celebraran. Esta música trata sobre ser humano, sentirse bien y dar rienda suelta a nuestro potencial».

«La colaboración entre nuestro sello, EarthSong Records, y BMG ha sido fundamental para este proyecto, ya que Jamie Nelson y su equipo comprenden tanto el legado de Chaka como su relevancia», afirma Tammy Michelle, directora de operaciones de Chaka Khan Enterprises. «Estamos igualmente ilusionados con nuestra nueva colaboración con HarbourView, donde desarrollaremos numerosas iniciativas creativas para ampliar la marca Chaka Khan junto a Sherrese Clarke y su equipo».