The War on Drugs estrenó una nueva canción titulada «Who’s That» en mayo de 2024 y desde entonces la han interpretado en directo. Su primera versión de estudio finalmente ha llegado, la primera grabación nueva de la banda liderada por Adam Granduciel desde 2022 viene acompañada de un videoclip dirigido por Max Flick, en el que Granduciel pasea por las calles de Burbank, California, su ciudad de residencia, al anochecer.

La artista afirma que “Who’s That” fue escrita “en 10 minutos, entre el primer café y dejar a los niños en la escuela. Es una canción sobre intentar amarse a uno mismo a pesar de las cosas que no siempre podemos controlar, como la ansiedad, la depresión y la inseguridad que pueden interponerse en el camino de vivir la vida que realmente deseamos”.

Por ahora, se desconoce si «Who’s That» formará parte del próximo álbum de War on Drugs. De ser así, dicho proyecto sería la continuación de I Don’t Live Here Anymore , nominado al Grammy en 2021, que fue el último álbum de la banda bajo contrato con la importante discográfica Atlantic Records tras una larga etapa con el sello independiente Secretly Canadian de Indiana. En 2024, lanzaron Live Drugs Again, un álbum en directo. Granduciel también contribuyó significativamente a la producción e interpretación del álbum People Watching de Sam Fender , publicado en 2025, que ganó el premio Mercury Music Prize del Reino Unido.

La banda de indie-pop almost monday presenta su segundo álbum, ‘THANK GOD IT’S ALMOST MONDAY’, ya disponible en todas partes. Compuesta por el vocalista Dawson Daugherty, el guitarrista Cole Clisby y el bajista Luke Fabry, Almost Monday también lanza una presentación en vivo en Vevo del tema “French Kids”, incluido en el álbum.

Si su álbum debut de 2024, ‘DIVE’, capturó el espíritu de la juventud y las relaciones sin preocupaciones, ‘THANK GOD IT’S ALMOST MONDAY’ marca una clara evolución tanto en perspectiva como en alcance. El álbum refleja un momento de madurez para la banda, que centra su atención en las pequeñas experiencias decisivas que dan forma al crecimiento personal, al tiempo que adopta una visión más amplia de lo lejos que han llegado.

‘THANK GOD IT’S ALMOST MONDAY’ es nuestro segundo álbum de estudio. Lo grabamos durante el mejor y el peor año de nuestras vidas. Es el resultado de una vida vivida con honestidad; los momentos buenos, los malos, el dolor y las alegrías están todos presentes en este disco”, comenta la banda.

En cuanto al sonido, el proyecto muestra a almost monday ampliando su mezcla bañada por el sol de pop alternativo y rock indie, combinando una producción brillante y rítmica con una composición más aguda e introspectiva. Escrito tras un período de giras constantes y vida en la carretera, el álbum refleja lo que la banda describe como el mejor y el más difícil año de sus vidas, equilibrando los momentos más altos de su carrera con desafíos más personales. El disco se inspira en esas experiencias, con temas como el crecimiento, la distancia y la autorreflexión que surgen de manera natural con el paso del tiempo, en lugar de a través de un concepto premeditado. El resultado es un trabajo coherente que captura tanto el impulso como la reflexión, dando cabida tanto a la alegría como al dolor sin permitir que ninguno de los dos defina la narrativa, al tiempo que mantiene la energía característica de la banda y su inmediatez melódica.

El álbum ya ha causado sensación con su primer sencillo, “no more regrets”, que se ha convertido en su canción de mayor crecimiento hasta la fecha. A partir de la semana pasada, “no more regrets” ocupa el puesto n.º 10 en Alt Radio.

La banda también rinde homenaje al público intrépido y desinhibido de la etapa europea de su gira mundial en la eufórica fantasía “french kids”. Ve AQUÍ la presentación en vivo de la canción en Vevo, que se estrena hoy.

“Tocamos en un lugar en Francia llamado Le Bikini, y recuerdo haber visto a esos chicos dejarse llevar por completo por la música”, recuerda la banda. “Se sentía tan puro, como si estuvieran viviendo plenamente el momento. ‘french kids’ es como un diálogo con la gente del público de esa noche, y cada vez que la escucho, me transporto de inmediato a ese momento”.

Tras años de cautivar al público con su sello distintivo de composición introspectiva, melodías llenas de soul y narraciones profundamente personales, la cantante y compositora de R&B multiplatino, siete veces nominada al GRAMMY®, Jhené Aiko, presenta su muy esperado nuevo álbum, Westside Whimsy, a través de ALLEL/Artclub/Def Jam Recordings.

Más que una simple colección de canciones, Westside Whimsy funciona como una carta de amor a Los Ángeles, la ciudad natal de Jhené Aiko, reuniendo a originarios de la ciudad como Kendrick Lamar, Larry June, Ab-Soul, Tyga y OHMA. Cada colaborador aporta su propia perspectiva, creando un proyecto que celebra el diverso legado musical y la energía contemporánea de Los Ángeles.

Con Westside Whimsy, Jhené invita a los oyentes a otro mundo, uno moldeado por el amor, la vulnerabilidad, la sanación y la naturaleza bellamente impredecible de la vida. El álbum deja ver la habilidad de la cantautora para transformar experiencias profundamente personales en música que resuena de forma universal, combinando una producción atmosférica con su voz inconfundiblemente relajante y su perspectiva poética.

Este nuevo proyecto le sigue a una notable trayectoria de más de una década que ha consolidado a Jhené como una de las voces más influyentes del R&B de esta generación. Desde su álbum debut certificado Platino, Souled Out, hasta proyectos aclamados por la crítica como Trip y Chilombo, ha creado de manera constante música que habita en la intersección del soul, la espiritualidad, el romance y la autorreflexión. Su impacto se extiende mucho más allá de las ventas de discos, llenando recintos por completo alrededor del mundo y afianzando aún más su conexión con una devota base de fans a nivel global.

Jhené Aiko continúa expandiendo su visión creativa más allá de la música a través de Jhenetics, su línea de belleza inspirada en la autoexpresión, el bienestar y la aceptación de la belleza natural. La marca refleja el mismo espíritu de individualidad e intención que se ha mantenido como pilar de su faceta artística a lo largo de su carrera.

Verdad Y Error (2026) reside en la tensión entre el estruendo del ruido externo y el beat centrado de la calma interna. Gibrana Cervantes es conocida por su trabajo en la música experimental y performance contemporáneo, una práctica de intensidad focalizada y fisicalidad vibrante, que a menudo desafía los límites de la resistencia, la presencia y la corporalidad. Un eje central de su práctica performativa es su continua colaboración con la aclamada coreógrafa Florentina Holzinger, incluyendo la composición de la música para SEA WORLD (2026), la instalación de Florentina Holzinger, aclamada por la crítica, para el Pabellón Austriaco en la Bienal de Venecia. Además, es miembro principal del conjunto experimental Amor Muere (Mabe Fratti, Concepción Huerta y Camille Mandoki). Cervantes mantiene una práctica de grabación activa que influye directamente en su producción en vivo, incluyendo su colaboración Memoria (2025), con Colombian Drone Mafia (Nyksan) para Ambie-Tón (Tratratrax).

Verdad y Error es un registro de su enfoque artístico que expande su cuerpo y el horizonte de posibilidades de su violín hasta casi el límite. Cervantes utiliza un registro estrechamente asociado con el metal pero en la alquimia de estas piezas se encuentran motivos que remiten a su formación clásica. A lo largo de estas piezas, el violín se utiliza como un instrumento, una voz fragmentada y cambiante: borrosa, repetida y remodelada mediante la distorsión.

«Muchas de estas piezas provienen de imágenes, recuerdos y sensaciones que me han acompañado durante años. Me interesa la difuminación de lo que realmente sucedió y lo que el tiempo transforma».

Las grabaciones se construyen con capas de tonos de violín que oscilan entre reconocibles, procesados, estirados y desplazados, y que yacen incrustados en un estrato de frecuencias volátiles de estática y ruido .

«El violín en este álbum no aparece como un instrumento limpio. Lo proceso, lo repito, lo distorsiono y lo multiplico hasta que empieza a sentirse más como un recuerdo que como una melodía. Algo borroso, cambiante, difícil de captar».

El origen del álbum se remonta a un momento en que Cervantes buscaba la calma interior en medio del incesante ruido exterior, cuestionando la validez o posibilidad de la memoria y su percepción radicalmente cambiante en relación con la experiencia. La posterior reflexión sobre este momento contemplativo le permitió desarrollar una música relacional que transita por la memoria, la erosión, la repetición y la ambigüedad emocional, creando un espacio íntimo e inestable a la vez, mercurial y con la pátina de la imperfección vivida.

Al igual que un narrador poco fiable y la inestabilidad lingüística, cada pieza funciona como un paisaje emocional suspendido entre la claridad y la confusión. Un álbum que equilibra melodía, brutalidad, fragilidad y ruido a lo largo de sus extensas grabaciones y arte, que funciona como un análogo de la música. El universo visual del álbum, desarrollado en colaboración con Mauro Ventura, se compuso a través de diversos medios con una mezcla de textos manuscritos, tipografía quemada, texturas metálicas y materiales físicos frágiles. «Quería que el disco se sintiera táctil e imperfecto, algo emocionalmente directo pero físicamente desgastado», dice Cervantes. Más que ofrecer explicaciones, verdad y error existe como una conversación entre memoria y desaparición, ruido y quietud, verdad y error.

Tamara Beller presenta su doble sencillo “bB.” y “Piña ColadA”, un afrobeat fresco y bailable que invita a dejar atrás aquello que ya no nos hace bien para volver a disfrutar.

Aunque la letra podría escucharse como la despedida de una relación amorosa, su verdadero significado nace de una experiencia mucho más personal. “bB.” representa el momento en el que la artista decide cerrar una etapa de tristeza y abrirse nuevamente a salir, bailar, viajar y divertirse. La canción está dirigida a su hermana menor, quien también es su mejor amiga y a quien llama cariñosamente “bebé”. En ella, Tamara imagina los momentos que algún día podrán compartir juntas: escaparse a la playa, bailar y tomarse un coco en Acapulco.

Sin embargo, la historia permanece abierta a la interpretación de quien la escucha. “bB.” también puede sentirse como una despedida de una relación, una persona o cualquier situación que sea necesaria soltar para comenzar de nuevo.

Tamara Beller es una artista mexicana originaria del Estado de México que encuentra en la música un espacio de exploración y autenticidad. Desde 2022 desarrolla su proyecto junto a su productor G-suz, fusionando géneros como R&B, jazz, blues, bossa nova, indie y sonidos latinos.

Tras explorar tintes de salsa en “Press My Chest”, con “bB.” se adentra en el afrobeat y continúa expandiendo su universo sonoro.