El dúo suizo de indie rock Elio Ricca presenta “Misfit”, el primer adelanto de su próximo EP, Enough Dog.

“Misfit” es una canción para los bailarines solitarios en medio del mosh pit, para quienes no encajan y terminan marcando la diferencia. Entre riffs de guitarra hipnóticos, una voz íntima y baterías que crecen lentamente, el tema convierte la extraña soledad de la vida moderna en un himno indie rock que celebra la libertad de no encajar.

Enough Dog, el trabajo más honesto y ambicioso de Elio Ricca hasta la fecha, llegará en enero de 2027. A través de cuatro canciones, el EP explora la soledad, la ansiedad social, la inquietud y la búsqueda de un lugar propio en un mundo cada vez más sobreestimulado.

Grabado por el propio Elio, a excepción de las baterías registradas en el estudio de Giuliano Sulzberger, el EP fue creado casi por completo con equipo analógico. El resultado es un sonido grande, distorsionado y orgánico, cálido y lleno de capas, que difumina las fronteras entre el post-punk, el synthwave y la psicodelia moderna.

Inspirado inicialmente por The White Stripes y por la fuerza de una formación reducida a guitarra y batería, Elio formó el proyecto junto al baterista Philip Meienhofer en 2016. Armados con una guitarra barítona, batería y una obsesión por las melodías originales, han construido su reputación desde sótanos y pequeños clubes hasta escenarios de festivales en Suiza.

Con cuatro álbumes de estudio publicados hasta la fecha, Elio Ricca ha construido un universo DIY donde música, imágenes y storytelling son inseparables. Elio graba y produce prácticamente todo lo que se escucha y conceptualiza gran parte de lo que se ve.

Esta visión cobró especial reconocimiento con los videos de “Rainbow” y “Fomo”, cuyos sets, miniaturas y vestuarios hechos a mano consolidaron su identidad visual y les valieron una nominación a Best Swiss Music Video. Un universo que él mismo define así: “Si mi música fuera una película, probablemente sería un ecléctico drama de acción de bajo presupuesto, con algunas escenas de sexo y sin final feliz”.

Lx artista, productorx, cantante, raperx y multiinstrumentista del este de Los Ángeles regresa con una carta de amor sonora a su comunidad, reinventando el soul chicano moderno con inspiraciones en los clásicos de Motown y G-Funk
“EAST SIDE GIRL”, el tema abridor del álbum, atemporal y cautivador, captura el encanto romántico de Los Ángeles

St. Panther —artista de ascendencia mexicana y colombiana, nacidx y criadx en el sur de California— anunció el lanzamiento de su muy esperado álbum debut, East Side Love Story, programado para el 20 de noviembre de 2026 a través del sello discográfico drink sum wtr, caracterizado por su enfoque artístico. Conocidx también como Dani Bojorges-Giraldo, St. Panther ha pasado la mayor parte de su vida adulta trabajando, viviendo y amando en el seno de la comunidad artística de Boyle Heights, Los Ángeles. Su álbum debut actúa como catalizador de su sonido moderno e innegablemente latino, fusionando influencias que van desde el chicano soul, los clásicos de Motown y los himnos del G-funk hasta los temas clásicos de las calles de Los Ángeles y mucho más.

Como artista, productorx, cantante, raperx y multiinstrumentista consumadx, St. Panther siempre ha poseído un sonido increíblemente versátil y ajeno a las etiquetas de género. A la hora de crear su primer proyecto de larga duración, St. Panther bajó el ritmo y observó su querido vecindario: identificaba canciones que sonaban en radiocasetes mediante Shazam e investigaba las andanzas de su amado gato por el barrio.

“En cuanto al estilo, creo que esta es mi canción favorita del álbum”, comentó St. Panther sobre el tema abridor, “EAST SIDE GIRL”. “Quería capturar una cierta sonoridad propia de mi barrio, inspirada en la playlist de mi vecino, quien la escuchaba casi como un ritual religioso: siempre el mismo orden de canciones cada día desde que me mudé aquí en 2020. Su lista se sentía como un paseo por nuestra cuadra en su lowrider: oldies, funk, soul y una mezcla de hip-hop seleccionada bajo una óptica chicana”.

Continúa: “Nuestra cultura siempre ha tenido un sello distintivo y una concepción binaria del género, pero con el paso de los años hemos visto cómo se transforma y se enriquece gracias a las personas queer de todo México y, ahora, de aquí. Esta canción trata de algo más que un simple flechazo; quería que el atractivo y la invitación a nuestro barrio incluyera lo más hermoso de nuestra cultura local: la comunidad queer. El tema captura la actitud y el encanto de las personas queer de nuestro barrio, y cómo una historia cobra más vida cuando ellas no solo son vistas y representadas, sino que son las protagonistas. De eso se trata”.

Coincidiendo con el anuncio, hoy lanza “EAST SIDE GIRL”, el tema que abre el álbum y sirve como su prólogo espiritual. El video musical de “EAST SIDE GIRL” resulta tan tentador, romántico y coqueto como la propia canción. Al retratar la calidez y el romanticismo únicos de la ciudad, “EAST SIDE GIRL” captura el encanto atemporal de Los Ángeles, aportando un toque moderno al R&B de la vieja escuela.

El año pasado se publicó Strange World, el segundo EP de St. Panther, que obtuvo grandes elogios por parte de referentes de medios como NPR Music, Bandcamp Daily, Remezcla, FLOOD Magazine y muchos otros. Como una obra desafiante que trasciende géneros y celebra el amor y la comunidad, Strange World narraba y abordaba el clima general de incertidumbre y apatía. Tras años perfeccionando su arte y observando un mundo en constante cambio, ahora todo está más claro que nunca: St. Panther está listx para bajar el ritmo y contar su propia historia.

Daniel Quién presenta “Luz”, el segundo capítulo de su recorrido hacia «El Milagro», su próximo álbum de estudio, que llegará en 2027. A través de una canción que transita entre la vulnerabilidad, la memoria y la necesidad de encontrar refugio, el cantautor mexicano profundiza en las contradicciones emocionales que acompañan los procesos de transformación personal, construyendo un relato sobre aquello que alguna vez iluminó el camino y que, con el tiempo, se convierte en un recuerdo.

Si el primer sencillo de esta nueva etapa, «Brillo», exploraba el asombro del despertar y el primer destello de una transformación, “Luz” se adentra en un territorio más introspectivo, donde la ilusión del pasado se enfrenta con la crudeza del presente. La canción encuentra su punto de partida en el desgaste emocional, en el recuerdo de alguien que alguna vez fue una presencia constante y un buen acompañante durante el largo duelo de la vida, así como en la necesidad de tomar distancia de un entorno que, entre el ruido y el caos, dificulta encontrar claridad.

Con una lírica directa y evocadora, Daniel Quién transforma estas sensaciones en un ejercicio de introspección profunda. Los elementos cotidianos y las imágenes emocionales que atraviesan la composición construyen una narrativa cercana, en la que los quiebres afectivos y el paso del tiempo conviven con la búsqueda de paz. Más que una canción sobre la ausencia, “Luz” representa ese momento en el que mirar hacia dentro se vuelve necesario para comprender lo que permanece y aprender a soltar aquello que ya no está.

Michael Kiwanuka reveló que sufrió un derrame cerebral grave a principios de este año, lo que explica los problemas de salud que le obligaron a ausentarse de varias presentaciones recientes en Estados Unidos. El cantautor compartió la noticia al anunciar su quinto álbum, FUDGE, que saldrá a la venta el 23 de octubre a través de Polydor Records.

“Hace unos meses sufrí un derrame cerebral provocado por una hemorragia cerebral causada por la hipertensión”, escribió Kiwanuka en un comunicado compartido en redes sociales. “Recuperarse de un derrame cerebral es un proceso largo, por eso me perdí algunos conciertos recientemente en Estados Unidos, pero espero verlos a todos pronto”.

Kiwanuka dijo que aún no sabe cuándo podrá volver a competir. “La lesión cerebral que sufrí fue bastante grave, así que tengo que hacer mucha rehabilitación. Es un camino largo y difícil por delante, pero estoy luchando por recuperarme”, continuó. “Han sido unos meses difíciles, la verdad, pero siento que ya estoy en el buen camino”.

También agradeció al personal del NHS y a los demás profesionales médicos que lo atendieron durante su recuperación, así como a sus amigos, familiares y equipo. «Sin duda, este ha sido uno de los retos más difíciles que he afrontado y estaré feliz de superarlo cuando llegue el momento», añadió. «Hasta entonces, les deseo lo mejor y espero verlos pronto».

Según se informa, el lanzamiento de FUDGE estuvo en suspenso durante casi un año debido a los problemas de salud de Kiwanuka. Grabado en Southampton junto a su banda en vivo, este álbum marca la primera vez desde Home Again (2012) que Kiwanuka graba un disco sin sus colaboradores habituales Danger Mouse e Inflo. En cambio, él mismo se encargó de la producción antes de llevar las grabaciones al productor Dom Monks y a su colaboradora habitual en instrumentos de cuerda, Rosie Danvers, para su finalización.

Escrita en gran parte durante las sesiones de grabación de Small Changes (2024) , FUDGE surgió de un estudio más informal cerca de la casa de Kiwanuka. «Cuando pienso en fudge, me viene a la mente algo lúdico e infantil, lo cual es bueno para la creatividad», dijo sobre el título. «Pero también es una forma educada de decir que simplemente lo voy a hacer».

Antes del lanzamiento de su tercer álbum de estudio, Mud, Remi Wolf comparte el delicado y conmovedor tema “I Won’t Cry”. La balada, cargada de anhelo, va creciendo hasta alcanzar un crescendo potente y desgarrador, mientras Remi lamenta un amor del pasado; su voz potente y emocionalmente intensa transmite el peso de su deseo de gritar: “¿Por qué no quieres volver conmigo?”. La canción llega acompañada de un videoclip codirigido por Remi Wolf y Milo Nichols, en el que Remi atraviesa un túnel de lavado de coches, mientras la bruma del agua genera tonalidades de arcoíris.

Al hablar de “I Won’t Cry”, Remi comparte: “I Won’t Cry surgió de uno de los primeros viajes de composición que hicimos en Big Bear para este álbum, y fue una de esas canciones que inmediatamente me parecieron especiales. Las tres horas que nos llevó escribirla y grabarla fueron como si todos estuviéramos bajo algún tipo de hechizo mágico. Ponía la demo a mis amigos y, para cuando terminaba, estaban llorando. Sabía que estaba despertando algo muy real en la gente, y sabía que tenía que estar en el disco. Es triste, está llena de anhelo y es dramática y un poco patética de una manera que realmente me encanta. Es, sinceramente, una de mis canciones favoritas de todas las que he escrito, ¡y estoy muy feliz de que por fin puedan escucharla!”.

Mud llegará el 9 de octubre a través de Island Records e incluye los sencillos publicados anteriormente “Twiggy” y “Bottle”. Recientemente, Remi se sentó con Kyle MacLachlan en su podcast What Are We Even Doing? para hablar sobre su nueva música, bromear con la estrella de las películas de culto y conversar sobre los comienzos de su carrera musical, seguido de una conversación más profunda sobre su trayectoria musical con Ross Golan en And The Writer Is. Este domingo 27 de septiembre, Remi actuará en el festival All Things Go de Washington D. C., antes de ofrecer conciertos como cabeza de cartel en Los Ángeles y Nueva York el próximo mes. Más abajo se pueden consultar las fechas de sus conciertos y las entradas AQUÍ.

Las once canciones de Mud refinan la desbordante imaginación musical de Wolf en una colección de temas más cálidos, más espaciosos y profundamente humanos, sin sacrificar el espíritu aventurero que siempre ha definido su trabajo.

El álbum surgió de un periodo de reflexión después de años de estar en constante movimiento. Tras una ininterrumpida etapa de giras, composición y grabación, Wolf comenzó a cuestionarse no solo qué quería decir, sino también cómo quería hacer música. Las primeras sesiones tuvieron lugar en Nashville, antes de que el álbum encontrara su centro espiritual durante un retiro en Big Bear junto a su colaborador de toda la vida Jared Solomon y un pequeño círculo de amigos de confianza, entre ellos Jack DeMeo, Jamie McLaughlin y Gigi Grombacher. Los días transcurrían escribiendo canciones, preparando cenas familiares y pasándose los micrófonos por la cocina mientras las ideas surgían de manera natural, evolucionando hasta convertirse en lo que Wolf describe cariñosamente como una “banda familiar”.

Ese espíritu se mantuvo durante todas las etapas de Mud. El grupo volvió a reunirse para unas sesiones en Electric Lady Studios, en Nueva York, antes de reunirse una última vez en Joshua Tree para terminar el disco. Apostando por la instrumentación en directo y por grabar juntos en la misma habitación, dieron prioridad a la espontaneidad por encima de la perfección. Wolf a menudo se colocaba detrás de la batería, mientras que las melodías y las letras tenían espacio para evolucionar de manera natural. El resultado es un sonido terroso y vivido, arraigado en la melodía, la narración y unas interpretaciones que se sienten inequívocamente vivas.

Esta sensación de claridad llega en un momento crucial de la carrera de Wolf. Tras los aclamados álbumes Juno y Big Ideas, se ha consolidado como una de las voces más singulares del pop contemporáneo, ganándose una fiel audiencia global gracias a su composición sin miedo, sus electrizantes actuaciones en directo y su inconfundible visión artística. Ha actuado en festivales como Coachella, Lollapalooza y Bonnaroo, además de salir de gira junto a Paramore, Lorde y Olivia Rodrigo. A principios de este año, Wolf también hizo su debut en pantalla en la exitosa serie de Amazon Prime Video Off Campus, que incluye varias canciones de su catálogo y una aparición de Wolf en el episodio de estreno. Wolf ha recibido el apoyo y el reconocimiento de muchos, desde su actuación en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon hasta publicaciones como Rolling Stone, NPR, Pitchfork, Variety, PAPER, Nylon, Billboard, The New York Times y muchas más.

Con Mud, Wolf entra en un nuevo capítulo creativo basado en la colaboración, el instinto y una forma de componer que confía en sí misma. En lugar de perseguir ideas más grandes, abraza la sencillez, demostrando que dejar espacio puede ser tan poderoso como llenarlo.

Simple Minds anuncia los detalles de su nuevo álbum de estudio, Sacrosanct, el cual saldrá a la venta el 29 de enero de 2027 a través de BMG.

En los cuatro años transcurridos desde Direction Of The Heart (álbum de 2022 que se colocó en el Top 5 del Reino Unido), la banda ha estado más activa que nunca: lanzaron un documental aclamado por la crítica que abarca toda su trayectoria, publicaron una memoria conjunta (elegida entre los «Libros del año» por la revista Uncut y Rough Trade) y ofrecieron conciertos por todo el mundo que los han consagrado como una de las agrupaciones más grandes de su generación.
Tan solo el año pasado, se presentaron ante más de 1.5 millones de personas y ante algunos de sus públicos más numerosos desde 1985, durante su exitosa gira mundial Global Tour. Fue precisamente en ese extraordinario período, con la energía a tope tras la gira, cuando comenzaron a dar forma y a grabar su nuevo álbum.

Su etapa por Norteamérica en 2025 inspiró a Kerr y Burchill a retomar sus raíces de art rock y new wave, tras ver cómo los fans en ciudades que nunca antes habían visitado reaccionaban con éxtasis ante temas de sus inicios como ‘Sons and Fascination’. Esta atmósfera predomina en Sacrosanct y en sus ocho canciones brillantemente estructuradas, las cuales poseen tanto sencillez como una franqueza etérea.

El álbum muestra a los eternos colaboradores en un estado de total confianza, entregando uno de sus discos más vitales en décadas; un trabajo que recupera la magia y la majestuosidad que definen la esencia misma de Simple Minds.

‘Beginner Boys’, la primera canción que anticipa el nuevo álbum, surgió de ver crecer a los nietos gemelos de Kerr y reflexionar sobre lo que significa criar a un buen hombre hoy en día: “cómo la fuerza, la ternura, el valor y la gentileza aún pueden coexistir, incluso cuando la cultura que los rodea envíe señales contradictorias. Más que una afirmación, es una pregunta que espero pasen la vida respondiendo por sí mismos”. Con una interpretación vocal excepcional y contenida por parte de Kerr, sumada a la inconfundible y brillante guitarra de Burchill, la canción esconde una euforia contagiosa.

El disco abarca desde ‘Elysium’ —el tema de apertura de influencia punk/post-punk al estilo de Magazine, bautizado en honor al paraíso de la mitología griega reservado para quienes vivieron con rectitud o lucharon arduamente, y que funciona como el contrapunto natural de ‘King Of The Underworld’ (inspirado en la figura de Mefistófeles y que trata sobre quien sea, o lo que sea, que domine nuestros apetitos)— hasta la vitalizante ‘Jerusalem’ (State of Mind), influenciada por el sueño de William Blake de una Jerusalén que no era tanto una ciudad, sino un anhelo de un mundo mejor.

‘Our Secrets Are The Same’ explora directamente el vínculo de toda la vida entre Kerr y Burchill; una canción sobre una amistad extraordinaria de dos niños de ocho años que se conocieron en una calle de Glasgow y que, más de cincuenta años después, siguen terminando las frases del otro. El momento más «pop» del disco llega con ‘Songs’, una celebración del poder que tiene la música para elevarte en los días buenos y sacarte de la depresión en los momentos difíciles cuando casi nada más puede hacerlo.

Los dos temas que cierran Sacrosanct, ‘Alive In This Moment’ y ‘The Next Right Thing’, abordan la nostalgia desde perspectivas distintas. El primero, con una introducción de guitarra emotiva y optimista al puro estilo de Burchill, habla de resistir el impulso de mirar atrás y, en su lugar, mantenerse en el presente; mientras que la belleza elegíaca del segundo se enfoca en el paso del tiempo y la pérdida de los seres queridos.

Con respecto a la elección del título del álbum, Kerr comentó: “Llamamos al disco Sacrosanct (Sacrosanto) porque, después de toda una vida dedicados a esto —casi cincuenta años componiendo canciones juntos—, ha dejado de sentirse como una carrera y ha empezado a parecerse a algo más cercano a la fe. Llamar al álbum Sacrosanct no es una exageración. Es simplemente honestidad”.

Sacrosanct es un triunfo artístico y el tercero, junto con Walk Between Worlds y Direction of the Heart, de una contundente trilogía.